L'espace a été développé après une étude approfondie de certains aspects de la culture générale, puis progressivement adapté à la ville très urbaine de Séoul. À l'espace d'exposition, quatre niveaux de perception ont été définis pour envelopper le projet :

- L'aura - l'arrière-plan du bâtiment est associé à l'atmosphère extérieure

- Le perpétuel - la matérialité horizontale est associée à la nature en Corée du Sud

- Le présent - la matérialité verticale est associée à la ville de Séoul

- La transition - les couleurs de la tradition culturelle à la communication moderne

La construction de la coque est simplifiée et laissée telle quelle, identique à celle d'une galerie d'art contemporaine.

Les fonctions de l'espace sont constituées de murs d'affichage, légèrement inclinés pour capter quelque chose de la lumière mais qui deviennent aussi l'arrière-plan.

L'éclairage est construit en une double couche de faisceaux disposés selon une distribution radiale sur deux points de fuite.

Fondé par Pierre Jorge Gonzalez et Judith Haase en 1999, AAS Gonzalez Haase est un studio basé à Berlin avec des pratiques principales en architecture, scénographie et éclairage.

Les premiers travaux avec Richard Gluckman et Robert Wilson pour le Watermill Center de New York sont devenus le premier de nombreux projets très appréciés avec des artistes contemporains, des conservateurs et des collectionneurs.

En plaçant l'interaction entre lumière et architecture au cœur de ses créations, AAS s'est forgé une solide réputation pour ses concepts spatiaux. Son travail comprend des installations d'œuvres d'art majeures, des intérieurs de boutiques de luxe, des extensions résidentielles et des reconversions d'espaces industriels et artistiques.

Né en 1979 à Paris, France. Vit et travaille à Paris. Tanc a exposé ses œuvres dans le monde entier. Son travail se caractérise par la singularité de son style, mieux comprise lorsqu'on sait qu'il a grandi en tant que graffeur. Il considère le street art comme éphémère et considère que le processus créatif prime sur le résultat lui-même.

Pour lui, être artiste signifie embrasser un certain mode de vie : s'engager pleinement et faire preuve d'une intégrité absolue. Au tournant du siècle, il se concentre principalement sur le travail en atelier. Son exploration des possibilités offertes par la ligne lui permet de se démarquer immédiatement des graffeurs habituels. Son travail s'efforce de synthétiser son nom, les tags, les individus, la musique… et la vie. En concentrant son travail sur la ligne et la couleur, il régénère la tradition picturale en la confrontant à la vitalité essentielle du street art : prédominance de l'action, perfection du geste, acceptation de l'inattendu et expression d'une forte singularité.

On est avant tout saisi par l'intensité de son œuvre, par sa musicalité et par la résonance remarquable des lumières et des matières. L'action, l'énergie et l'émotion de l'artiste visent ainsi à toucher le spectateur de manière sensuelle, intime et immédiate.

Ah Ra Kim crée des œuvres abstraites basées sur des motifs traditionnels coréens (Dancheong) et des éléments architecturaux.

Considérant la structure de l’architecture comme une sculpture, elle a travaillé sur des œuvres plates qui recherchent un sens de l’équilibre sculptural, ainsi que sur des sculptures et des installations qui appliquent des motifs Dancheong sur des cadres en toile de bois.

<Ligne verticale n°3>

284 × 14,2 × 5,4 cm

acrylique et pigments sur châssis en bois pour toile 2024

Poutres et pannes, structures horizontales de l'architecture traditionnelle coréenne, se transforment en structures verticales. Dans l'espace SYSTEM Paris, la ligne verticale croise les structures horizontales du plafond. L'espace créé par l'intersection des lignes horizontales et verticales se superpose à la structure des poutres, pannes et colonnes de l'architecture traditionnelle coréenne, incitant le spectateur à la réflexion. La structure verticale du plafond et du sol, et l'espace qu'elle crée, reflètent l'intersection entre l'architecture traditionnelle coréenne et l'architecture occidentale moderne.

<Sans titre>

300 × 29,1 × 26,7 cm

acrylique et pigments sur châssis en bois pour toile 2024

Le cadre en toile, support du tableau, est construit comme une sculpture, appréhendé comme une structure architecturale. La structure de la toile en bois se superpose à celle de l'architecture coréenne ancienne, et la forme du cadre, sans la toile, épouse la structure en treillis, un élément architectural traditionnel coréen. <Sans titre> est une œuvre sur toile profilée dont la structure verticale évoque la superposition des bâtiments du centre de Séoul.

Le designer de mobilier d'art Hwang Hyung Shin construit son propre univers sculptural, inspiré par l'architecture géométrique de l'environnement urbain de son enfance et par la construction et la démolition constantes de nouveaux bâtiments. Son œuvre phare, la série Layered, est une expérience d'empilement, de regroupement et de reconstruction de meubles en bois et en métal pour reconstituer des images architecturales de mémoire.

Il s'est spécialisé dans le mobilier en bois à l'Université Hongik et a obtenu son master en beaux-arts à l'Université Dongguk. Depuis son exposition personnelle à la galerie G en 2016, elle a organisé quatre expositions personnelles et participé à des salons internationaux de design tels que le Festival du design de Berlin, la Tokyo Designers Week, le Porte Tonic Art Center en France, la Triennale de Milan, la Milan Design Week, ainsi qu'à divers projets en Corée et à l'étranger.

Édition « Séoul » en acier laminé Cette œuvre reflète la spécificité de la région de l'artiste à travers la tridimensionnalité d'unités géométriques. Pour exprimer le mélange dynamique de la nature et de la ville, du passé et du présent, et la collision de la diversité, l'artiste a modifié son travail précédent pour créer une sculpture aux multiples éléments sculpturaux. Basés sur des lignes verticales et horizontales, des objets unitaires de différentes hauteurs et volumes sont réunis pour créer une grande sculpture, et chaque unité est divisée par des lignes diagonales et courbes. Les proportions, les directions et les angles des divisions sont différents mais harmonieux, exprimant la diversité de Séoul dans le langage sculptural de l'artiste.